HISTORIA DE LA MÚSICA
Los comienzos del fenómeno musical humano están completamente envueltos en la oscuridad.
1. MÚSICA EN LA PREHISTORIA
El verdadero principio es hacia el siglo XVIII antes de Jesucristo. Pero es presumible que los laudes sean posteriormente a las arpas y liras por ser su construccion mas laboriosa.
Cuando los relieves de Babilonia y Asiria reproducen una mayor variedad de instrumentos, es cuando se comienza hablar del verdadero desarrollo.
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| Grupo de músicos, relieve de los Asirios |
Egipto
En el tiempo pre-dinastico nos encontramos con diferentes formas de crotalos adornados con figuras y también con traque y falutas largas. También las primeras trompetas se usaban en las barcas de los difuntos. Las arpas eran acompañadas con baile y canto. Ademas las costumbres de los cantantes de hacer señales a los instrumentistas que acompañan, seguramente sobre el proceso del ritmos del canto.
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| Arpa, instrumento de cuerda |
Israel
Mas débiles son nuestros conocimientos a este respecto al ejercicio musical. Pero por el Antiguo Testamento de la Biblia conocemos una serie de nombres de instrumentos y descripciones de practicas musicales.
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| Nebal (Arpa) |
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| Schofar (Trompeta) |
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| Kinnor (Lira) |
Oceania y Australia
Asia
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| Tambor Japones |
Orquesta Gamelan
La sonoridad mas definida se encuentra en las orquestas de Gamelan, de Java y Bali bajo dos formas: pelog y siendro. En el siendro se han reducido los semitonos y se han aumentado los tonos enteros, esto no se efectuado de manera regular. En la pelog se ha procurado una igualdad en las medidas, dentro de la escala de siete grados.
Grecia y Roma
Las primeras comunidades cristianas se plantearon casi desde
su inicio el problema de la vestidura musical en los diversos momentos de la
plegaria comunitaria. La cuestión se limitaba a elegir un modelo al que
orientarse para componer los nuevos cantos sagrados. Dado su carácter cultural
francamente pagano, la música romana no podía constituir un paradigma de
referencia, sino más bien una tradición de la que era preciso distanciarse.
Desgraciadamente, como sucede con la música griega, no conservamos
ningún testimionio de las melodías cantadas de los orígenes de la música
cristiana. En efecto, los cantos hebreos se habían transmitido de forma oral y
no ofrecían ningún modelo de escritura de las melodías. Si bien la música
griega, por el contrario, hacía corresponder una letra a cada nota.
El canto gregoriano
Basándose en la Vida (872-882) de Gregorio el Grande (590-604)
escrita por Juan Diácono, los historiadores atribuyeron durante mucho tiempo al
famoso pontífice las innovaciones más importantes de la música medieval: la
selección de los cantos para la misa y los diversos momentos de plegaria común,
así como la formación de un grupo de cantantes profesionales, la schola
cantorum. En realidad, Gregorio el Grande, aún habiendo sido un gran reformador
no se ocupó, al menos directamente, de estas innovaciones musicales. La música
destinada a las celebraciones religiosas se llama canto gregoriano sobre todo
por razones políticas.
Los cantos se transmitían como si fuesen las leyendas. El cantor
tenía en mente unas pocas fórmulas melódicas, correspondientes a menudo a
algunos trozos fundamentales del canto, y reconstruía el paso de las notas
ateniéndose a las leyes musicales canónicas de la época.
El salmo, por último, pone música a algunos textos extraídos del
Libro de los Salmos y podía cantarse de tres maneras: directamente, de
principio a fin por un coro o un solista; en forma responsorial, cuando el
solista entona un versículo y el coro responde con un estribillo; en forma de
antífona, cuando la enunciación de los versículos se distribuye entre dos coros
alternados.
El renacimiento carolingio
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| Rey Carlomagno |
Los fines políticos y la actividad reformadora de Carlomagno
(siglos VIII y X d.C.) tuvieron gran influencia también sobre la música, por lo
que se habla de un renacimiento carolingio.
La renovación de canto litúrgico entre finales del primer
milenio y comienzos del segundo
Como el repertorio gregoriano se consideraba sagrado e
inalterable, se fijó la regla de no modificar jamás la totalidad de sus cantos.
No obstante, se fueron introduciendo con el tiempo nuevas fiestas y, por lo
tanto, se multiplicaron los momentos de la liturgia que precisaron del canto.
Afortunadamente, las innovaciones que se produjeron por este motivo abrieron
nuevos espacios a la creatividad y la inventiva.
Más tarde, las secuencias adoptaron también melodías
profanas y se difundieron fuera del ámbito de las celebraciones religiosas, lo
que llevaría al Concilo de Trento a la decisión de abolirlas, con excepción de
cinco, movido por la intención de reconducir el canto cristiano a su pureza
originaria.
El segundo milenio
Entre los dos siglos que constituyeron el paso entre el
primer y el segundo milenio se producen grandes transformaciones en Europa: la
caída del Imperio carolingio y el nacimiento del feudalismo. Carlomagno y sus
sucesores habían creado un vínculo muy estrecho entre poder político y poder
religioso y por este motivo confiaron a los monjes el cometido de cultivar y
difundir el saber. Por el contrario, el feudalismo desplaza el centro de la
vida cultural de los monasterios a los castillos y abre el camino a una cultura
no sólo religiosa sino también profana. Asimismo, la música religiosa
experimentó los efectos de ese cambio. Los principales centros de la fe pasan a
ser monasterios y las catedrales; así, la reflexión religiosa se vuelve menos
mística y más racional. La música se escucha cada vez más porque es bella y
placentera y no exclusivamente porque sirve para loar a Dios.
Trovadores y troveros
Los primeros tiempos de la edad media no dejaron testimonios
de cantos profanos en latín. Esto no significa que la gente no cantase fuera de
las celebraciones religiosas. Cantaba, pero no transcribía las melodías. De
hecho, la Iglesia seguía condenando la música profana con el argumento de que
su carácter agradable era peligroso para las almas. Como hemos señalado, la
difusión de los tropos significó una primera ráfaga de libertad y sirvió de
estímulo a los desarrollos posteriores de la música profana.
La lauda
También en Italia la poesía de trovadores y troveros ejerció
cierto influjo sobre las composiciones musicales; atendiendo en primer lugar a
la métrica del verso, la melodía se componía a partir de aquélla; en muy
contados casos, la escritura del texto seguía la secuencia armónica, sino la
homofónica.
El movimiento de las notas en la polifonía
Cuando a una nota le sigue la que le sucede en la escala
ascendente (do-re) se dice que los sonidos se mueven por grados conjuntos. En
caso contrario, se habla de grados disjuntos (por ejemplo, do-mi). A su vez,
dos voces superpuestas evolucionan en modo recto cuando siguen la misma
dirección. En cambio, se habla de movimiento contrario si una línea melódica
asciende (do-re-mi, etc.) y la otra desciente (mi-re-do). El movimiento es
oblicuo cuando una voz permanece detenida en una misma nota mientras la otra
discurre. El modo retrógrado es la repetición invertida de la melodía.
La escuela de Notre Dame
En el siglo XII floreció en torno a la catedral
de Notre Dame una escuela que perfeccionó y organizó el organum nacido en el
siglo anterior. La vox organalis pasa a llamarse tenor y canta una melodía
gregoriana. Cada nota del tenor es siempre muy larga pues el motivo originario
ha sido prolongado desmesuradamente. La voz superior se duplica y, más tarde,
incluso se triplica. El hecho fundamental es que a cada nota del tenor corresponden
muchas notas breves y no una sola. El estilo cambia en determinados pasajes:
las notas del tenor se hacen breves y a cada una de ellas se superponen las
notas de las voces superiores. Este estilo de canto, similar a las más
primitivas formas de polifonía, se llaman discantus. La composición se divide
en numerosos fragmentos (clausulae); algunas tienen el auténtico
estilo del
organum, otras del discantus.
El Ars Nova
El Ars Nova introduce
definitivamente los tiempos binarios. La referencia a las tres personas de la
Trinidad deja de ser determinante: la música se desentiende cada vez más de los
condicionamientos de la religión y de las prohibiciones eclesiásticas.
3. MÚSICA DEL RENACIMIENTO
El período que va desde los últimos años del siglo XIV hasta
finales del siglo XV se conoce como la época del humanismo. Este término indica
una tendencia e la cultura que se propone como objetivo el redescubrimiento de
la cultura grecolatina en sus aspectos artísticos, filosóficos, arquitectónicos
y literarios. Consecuencia de esta posición fue el nacimiento del concepto de
clasicismo: los modelos representados por el arte y la civilización griegas se
definieron como “clásicos” y se consideraron inigualables. El humanismo no se
extinguió con el final del siglo XV, sino que se prolongó en el período que los
historiadores llaman Renacimiento y que ocupa la totalidad del siglo XVI. El
concepto de clasicismo cobró más desarrollo durante el Renacimiento y tuvo repercusiones
en todas las artes figurativas, literarias y arquitectónicas.
4. MÚSICA DEL CLASICISMO
El Clasicismo es el periodo que se enmarca entre el Barroco
y el Romanticismo. Desde el año 1750 con la muerte de Bach y el año 1827, con
la muerte de Beethoven. El Clasicismo es la época de la Ilustración, un
movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza. Su
principal obra fue La Enciclopedia, que sirvió para divulgar la cultura. Esta
burguesía será el nuevo público que aprecie sus obras.
La música deja de verse encerrada en iglesias y palacios y
se puede disfrutar en las casas de los burgueses o en espectáculos públicos.
La música del Clasicismo es la música del equilibro, busca
el orden y la claridad, que demuestra en sus melodías y armonías simples y
sencillas, muy fáciles de comprender para el público. Es música refinada y
elegante.
El instrumento más importante del período del Clasicismo es
el Piano. La evolución del Clave (que ya hemos estudiado en la música en el
Barroco) es el llamado "pianoforte". El clavecín no podía hacer
sonidos más fuertes o más suaves, siempre emitía los sonidos con la misma
intensidad. Su evolución podía, en cambio, variar esta intensidad según si se
tocaban las teclas con mayor o menor fuerza. Los términos musicales para suave
y fuerte son piano y forte, por eso este nuevo instrumento se llamó así,
pianoforte, aunque con el paso del tiempo el nombre se acortó hasta ser
conocido simplemente como piano, tal y como lo conocemos actualmente.
5. MÚSICA DEL ROMANTICISMO
La música en este periodo es la más valorada de entre todas
las artes: al ser la más abstracta e intangible
de las artes puede llegar a regiones del alma humana dónde no pueden hacerlo ni
las palabras ni las imágenes. El compositor romántico abandona la rigidez del clasicismo para buscar una expresión más
directa y apasionada de sentimientos y emociones individuales.
6. MÚSICA DEL IMPRESIONISMO
De este cuestionamiento resultará, en primer lugar, una
revolución estilística de la que derivará una profusión de tendencias y líneas
de experimentación musical cuyos ecos resonarán a lo largo de todo el siglo XX.
Pero también resultará un profundo cambio de actitud ante la creación musical
del que beberán todas las vanguardias musicales del nuevo siglo, y que
consistirá precisamente en el cuestionamiento de las premisas -las reglas
escritas y no escritas- que sustentan la creación musical, como paso previo y
necesario para el mismo.
7. MUSICA CONTEMPORANEA O MODERNA
Es la que se ha escrito en los últimos cincuenta años,
particularmente después de los años sesenta. En un sentido más amplio, música
contemporánea sería cualquier música que se escribe en el presente. Es materia
de un arduo debate si el término se debería aplicar a música de cualquier
estilo, o si se le aplica exclusivamente a los compositores de música de
vanguardia, o música «moderna».
Futurismo
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de
vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en
Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta el
Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le
Figaro de París.
Primitivismo
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía
rescatar el folclor más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno.
Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo
incorporó además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la
percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atona
Posmodernismo
Poliestilismo
Minimalismo y Posminimalismo
Música Electronica
Romanticismo
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